Schüler-, Mittelklasse- oder Profi-Blasinstrument: Wo liegt der wirkliche Unterschied?

Autor: Pavel Dudenkov, Elcoda

Wer ein Blasinstrument auswählt, stößt fast zwangsläufig auf die Bezeichnungen Student, Intermediate und Professional – also Schüler-, Mittelklasse- und Profiinstrument.

Auf den ersten Blick scheint die Einteilung einfach zu sein: Das erste ist günstiger, das zweite besser und das dritte das beste. In der Praxis führt diese Vorstellung jedoch leicht zu einer falschen Entscheidung.

Diese Begriffe bilden keinen einheitlichen technischen Standard für die gesamte Branche. Die Grenzen unterscheiden sich von Hersteller zu Hersteller. Außerdem findet man Bezeichnungen wie Advanced oder Step-up, und manche Modelle liegen zwischen den klassischen Kategorien.

Die Aufschrift Professional beantwortet deshalb noch nicht die wichtigste Frage: Passt dieses Instrument zu diesem Musiker und zu seiner konkreten musikalischen Aufgabe?

Ein Schülerinstrument soll in erster Linie das Lernen erleichtern

Ein Anfänger entwickelt zunächst Atemführung, Ansatz, Artikulation und die motorische Koordination der Finger.

Bei Kindern ist das besonders wichtig, aber dasselbe Prinzip gilt auch für Erwachsene, die erstmals mit einem Blasinstrument beginnen.

Von einem guten Schülerinstrument erwartet man deshalb vor allem:

• leichte und vorhersehbare Ansprache;
• ein sinnvolles Maß an Blaswiderstand;
• bequeme Mechanik;
• gut erreichbare Klappen;
• stabile Intonation;
• möglichst wenige unnötige technische Hindernisse.

Ein Schülerinstrument soll dem Musiker also helfen, die Kontrolle über das Instrument zu erlernen.

Das bedeutet keineswegs, dass ein Schülermodell lediglich eine billigere Version eines Profiinstruments ist. Es erfüllt eine andere Aufgabe.

Bei Schülermodellen von Klarinetten betonen Hersteller beispielsweise gezielt eine leichte Ansprache, Ergonomie, stabile Intonation und einfache Handhabung. Das sind bewusste konstruktive Ziele.

Ein Musiker, dessen Atemführung und Ansatz sich noch entwickeln, profitiert wenig von zahlreichen feinen klanglichen Möglichkeiten, solange er sie noch nicht kontrollieren kann.

Die Mittelklasse ist die uneindeutigste Kategorie

Am meisten Fragen wirft meist die Kategorie Intermediate auf.

Ich würde sie am ehesten als Step-up-Instrument verstehen.

Der Musiker verfügt bereits über grundlegende Fähigkeiten und beginnt, die Grenzen eines Schülermodells zu spüren. Den gesamten Funktionsumfang eines Profiinstruments benötigt er aber möglicherweise noch nicht.

Deshalb übernehmen Hersteller bei Mittelklassemodellen häufig einzelne Merkmale professioneller Serien:

• weiterentwickelte Mechanik;
• zusätzliche Klappen oder Ventile;
• andere Materialien;
• weiterentwickelte akustische Konstruktionen;
• mehr Möglichkeiten zur Intonationskorrektur;
• einen größeren dynamischen und klanglichen Spielraum.

Besonders wichtig ist: Ein Mittelklasseinstrument muss keine vorübergehende Station auf dem Weg zum Profiinstrument sein.

Für einen erwachsenen Amateur, einen Musiker in einem Amateurorchester oder einen ernsthaft spielenden Musiker ohne professionelle Konzertlaufbahn kann ein gutes Mittelklasseinstrument viele Jahre die richtige Lösung sein.

Umgekehrt kann es für einen zukünftigen Profi sinnvoll sein, länger auf einem guten Schülermodell zu spielen und anschließend direkt auf ein professionelles Instrument umzusteigen.

Wann ein Schülerinstrument sinnvoller sein kann als ein Profimodell

Ich erinnere mich an einen typischen Fall.

Ein Bekannter von mir spielte bereits recht sicher Altsaxophon und wollte zusätzlich mit dem Tenorsaxophon beginnen.

Sein Budget hätte für ein teures Mittelklasse- oder sogar Profiinstrument ausgereicht.

Trotzdem empfahl ich ihm zunächst ein gutes Schülermodell.

Der Grund war einfach: Das Tenorsaxophon war für ihn ein neues Instrument.

Zunächst war es sinnvoll, speziell auf dem Tenor Erfahrungen zu sammeln: Luftbedarf, Widerstand, Ansprache und Tonbildung kennenzulernen. Erst danach lässt sich wirklich beurteilen, welche zusätzlichen Eigenschaften das nächste Instrument haben soll.

Beim Profiinstrument geht es vor allem um Kontrolle

Ein Profiinstrument lässt sich nicht auf die Formel „teurer, schöner und besser klingend“ reduzieren.

Sein wesentlicher Vorteil liegt im Grad der Kontrolle, den es einem erfahrenen Spieler ermöglicht.

Dazu gehört die feine Kontrolle über:

• Ansprache;
• Intonation;
• Klangfarbe;
• Dynamik;
• Widerstand;
• Reaktion des Instruments;
• Projektion;
• Verhalten in unterschiedlichen Registern;
• Mechanik und alternative Griffe.

Ein Profiinstrument muss keineswegs schwerer zu spielen sein.

Im Gegenteil: Ein sehr gutes professionelles Instrument kann außerordentlich leicht und schnell reagieren.

Der Unterschied besteht darin, dass ein erfahrener Musiker sehr kleine Veränderungen von Luftführung, Ansatz, Zungenposition oder Grifftechnik gezielt einsetzen und in ein musikalisches Ergebnis umsetzen kann.

Man kann es mit einem Sportwagen vergleichen. Er kann ganz normal auf einer Landstraße gefahren werden. Viele seiner besonderen Möglichkeiten werden jedoch erst für jemanden relevant, der sie tatsächlich nutzen kann.

Ähnlich verhält es sich mit einem professionellen Instrument. Ein Anfänger kann darauf einen Ton erzeugen, wird aber möglicherweise einen großen Teil der Fähigkeiten, für die er bezahlt hat, noch nicht nutzen können.

Stimmung und Intonation sind nicht dasselbe

Bei Blasinstrumenten spielen Stimmung und Intonation eine besonders wichtige Rolle.

Das Instrument auf einen Referenzton einzustimmen ist eine Sache. Eine andere ist die Frage, wie sich einzelne Töne über den gesamten Tonumfang verhalten, welche Töne korrigiert werden müssen und wie gut der Musiker diese Korrekturen kontrollieren kann.

Auf Klarinetten- und Saxophonforen wird dieses Thema regelmäßig diskutiert. Musiker sprechen über alternative Griffe, Ansatz, Zungenposition, Luftführung, Mundstücke und Blätter.

In einer Diskussion im deutschen Saxophonforum wurde ein interessanter Unterschied beschrieben: Manche Instrumente ermöglichen einen größeren Spielraum bei der Tonhöhe, während andere die Intonation stärker „einrasten“ lassen. Mehr Flexibilität gibt dem Spieler mehr Freiheit, stellt aber zugleich höhere Anforderungen an das Gehör und die Kontrolle.

Die professionelle Frage lautet daher nicht nur:

sondern auch:

Was Saxophonisten diskutieren

Gerade bei Saxophonisten wird deutlich, dass das Ergebnis nicht allein vom Instrument abhängt.

Diskutiert werden der Einfluss von Mundstück, Blatt, Klappenaufgang, Ansatz und Spieler. Manche Instrumente bieten eine sehr stabile Tonhöhe, andere einen größeren Spielraum für Intonationskorrekturen.

Der größere Spielraum kann vom Musiker mehr verlangen, wird von erfahrenen Spielern jedoch teilweise bewusst gewählt, wenn dadurch ein bestimmter Klangcharakter möglich wird.

Bei der Beurteilung eines professionellen Saxophons geht es deshalb unter anderem um:

• Ausgeglichenheit über den gesamten Tonumfang;
• Ansprache;
• Verhalten bei Pianissimo und Fortissimo;
• Möglichkeiten zur Tonhöhenkorrektur ohne Verlust der Klangqualität;
• das Verhältnis von Freiheit und Stabilität.

Was Klarinettisten diskutieren

Bei Klarinettisten taucht regelmäßig das Thema der individuellen Intonationseigenschaften eines Instruments auf.

Mit der Zeit weiß ein Musiker, wo ein alternativer Griff sinnvoll ist, welcher Ton etwas abgesenkt werden muss, wo sich die Zungenposition ändern sollte und wo eine andere Luftführung erforderlich ist.

Sogar derselbe Ton kann in unterschiedlichen musikalischen Situationen eine andere Behandlung verlangen.

Ein langer Ton innerhalb einer Harmonie ist eine Aufgabe. Kurzes Staccato eine andere. Eine Solophrase ist die dritte. Das Spiel innerhalb einer Orchestergruppe die vierte.

Deshalb lässt sich die professionelle Instrumentenwahl nicht auf eine Tabelle technischer Daten reduzieren.

Oboe: Instrument, Rohr und Einstellung bilden ein System

Bei der Oboe wird dieser Zusammenhang besonders deutlich.

In Diskussionen unter Oboisten wird regelmäßig davor gewarnt, vorschnell zu folgern:

Widerstand oder Instabilität können auch verursacht werden durch:

• das Rohr;
• die Einstellung der Mechanik;
• kleine Undichtigkeiten;
• den Zustand der Polster;
• die Technik des Spielers.

Bevor man entscheidet, dass ein Musiker tatsächlich die Grenzen seines Instruments erreicht hat, sollte das Instrument deshalb technisch einwandfrei eingestellt sein.

Ein weiterer häufig genannter Rat unter Oboisten lautet, bei der Wahl eines Profiinstruments mehrere Exemplare desselben Modells anzuspielen. Für einen professionellen Musiker zählt nicht nur die Modellbezeichnung im Katalog, sondern auch das Verhalten des konkreten Instruments in den eigenen Händen.

Mechanik: Einfachheit für Anfänger, Möglichkeiten für Profis

Bei einem Schülerinstrument soll die Mechanik vor allem bequem sein.

Besonders bei Kindern ist es wichtig, dass die Klappen ohne unnötige Dehnung erreichbar sind und die Mechanik vorhersehbar funktioniert.

Auf professionellem Niveau ändert sich die Aufgabe.

Zusätzliche Klappen und alternative Griffe können Möglichkeiten bieten für:

• schwierige Übergänge;
• Triller;
• das hohe Register;
• Intonationskorrekturen;
• eine günstigere Griffwahl in einer bestimmten musikalischen Passage.

Entscheidend ist nicht die zusätzliche Klappe selbst, sondern die Möglichkeit, die sie einem bestimmten Musiker bietet.

Widerstand: Freier ist nicht automatisch besser

Ein weiterer Begriff, der unter Bläsern ständig verwendet wird, ist Resistance, also der Blaswiderstand.

Für einen Anfänger ist wichtig, dass ein Instrument keine übermäßige körperliche Anstrengung erfordert, nur um einen stabilen Ton zu erzeugen.

Auf professionellem Niveau wird die Frage deutlich komplexer.

Zu viel Widerstand kann den Musiker begrenzen und die dynamische Kontrolle unnötig anstrengend machen. Ein extrem frei blasendes Instrument ist jedoch ebenfalls nicht automatisch ideal.

Ein bestimmtes Maß an Widerstand kann helfen, Ansprache, hohes Register, Intonation, Dynamik und Luftverbrauch zu kontrollieren.

Ein Profi sucht deshalb meist nicht das „freieste“ Instrument, sondern die für ihn passende Balance zwischen Widerstand und Ansprache.

„Darauf kann man einfach sitzen und spielen, ohne sich anzustrengen“

Beim Vergleich von Instrumenten sagte ein professioneller Musiker einmal zu mir einen Satz, den ich mir gut gemerkt habe:

Für einen Anfänger bedeutet „leicht zu spielen“ in erster Linie, einen stabilen Ton erzeugen zu können.

Für einen Profi kann diese Aussage etwas anderes bedeuten.

Das Instrument ermöglicht das gewünschte musikalische Ergebnis ohne unnötigen körperlichen Kampf. Dem Spieler bleiben mehr Ressourcen für Phrasierung, Dynamik, Klangfarbe und ein langes Konzertprogramm.

Das ist eine andere Bedeutung von „leicht“.

Projektion: Was direkt am Instrument gut klingt, hört der Saal nicht unbedingt genauso

Eine meiner eindrücklichsten Erfahrungen hatte gar nicht mit einem neuen Instrument zu tun, sondern mit einem kleinen Bauteil — einer Klarinettenligatur.

Ich brachte einem professionellen Klarinettisten eine teure Woodstone-Ligatur. Er besaß bereits eine fast identisch aussehende Woodstone-Ligatur, die sich in einigen Details unterschied.

Er spielte beide in einem kleinen Unterrichtsraum und fragte mich:

Ich hörte fast keinen.

Dann schlug ich vor, in einen großen Saal zu wechseln.

Dort war der Unterschied plötzlich deutlich.

Mit einer Ligatur schien sich der Klang weich um den Musiker herum auszubreiten und den Raum zu füllen. Mit der anderen veränderte sich das Verhalten: Der Klang bekam eine andere Richtung und deutlich mehr „Flug“ und interagierte anders mit dem Raum.

In diesem Moment wurde mir sehr deutlich, warum professionelle Musiker so viel über Projektion sprechen.

Projektion ist nicht einfach Lautstärke.

Ein Instrument kann direkt neben dem Spieler sehr eindrucksvoll klingen und sich im hinteren Teil eines Konzertsaales ganz anders verhalten.

Orchestermusiker und Solisten können unterschiedliche Eigenschaften suchen

Nicht alle professionellen Musiker haben dieselbe Aufgabe.

Ein Musiker innerhalb einer Orchestergruppe muss sich häufig sehr genau in den Gesamtklang integrieren. Stabilität, Kontrolle und die Fähigkeit, mit anderen Instrumenten zu verschmelzen, können besonders wichtig sein.

Ein Solist kann andere Anforderungen haben.

Sein Klang soll seine eigene Farbe bewahren und gegenüber dem Orchester erkennbar bleiben. Projektion und Tragfähigkeit können deshalb eine besonders große Rolle spielen.

Preis und professionelles Niveau sind nicht dasselbe

Über dieses Thema habe ich auch mit dem bekannten Hornisten und Instrumentenbauer Engelbert Schmid gesprochen.

Ein professionelles Horn kann von einer Grundkonfiguration ausgehen und zahlreiche zusätzliche Optionen bieten:

• Material;
• Art und Größe des Schallbechers;
• zusätzliche mechanische Elemente;
• unterschiedliche Ventillösungen;
• Oberfläche und Lackierung;
• weitere konstruktive Varianten.

Nicht jede Preiserhöhung bedeutet jedoch automatisch einen entsprechenden Zuwachs an spielerischen Möglichkeiten für jeden Musiker.

Manche Optionen dienen einer bestimmten professionellen Aufgabe. Andere betreffen Ergonomie, Haltbarkeit oder persönliche Vorlieben. Manche können auch einen ästhetischen Aspekt haben.

Engelbert Schmid beschreibt beispielsweise ausführlich, wie verschiedene Schallbechergrößen und Legierungen Klangcharakter und Widerstand beeinflussen. Bei der Lackierung bewertet er den klanglichen Unterschied als eher gering und betont, dass die eigene Klangvorstellung des Musikers entscheidend bleibt.

Auch das Material bestimmt die Instrumentenklasse nicht automatisch

Ein weiterer häufiger Fehler besteht darin, die Instrumentenklasse allein anhand des Materials bestimmen zu wollen.

In der Realität ist es komplizierter.

Auch Schülermodelle können traditionelle Materialien verwenden, während Mittelklasseinstrumente dieselben Grundmaterialien wie Profimodelle besitzen können. Viele wichtige konstruktive Unterschiede sind von außen überhaupt nicht sichtbar.

Dasselbe gilt für Blechblasinstrumente. Unterschiedliche Legierungen, Wandstärken, Schallbecherformen und andere Parameter können das Verhalten des Instruments beeinflussen. Ein teureres Material allein macht ein Instrument jedoch nicht automatisch professionell.

Auch das Herstellungsland ist kein universelles Qualitätskriterium

Moderne Hersteller arbeiten mit unterschiedlichen Produktionsstrukturen, und einzelne Serien können verschiedene Fertigungsschritte in unterschiedlichen Ländern durchlaufen.

Das Herstellungsland allein bestimmt deshalb nicht die Instrumentenklasse.

Wichtiger sind Fragen wie:

• Wie wurde das Instrument entwickelt?
• Wie ist die Produktion organisiert?
• Wie konstant sind Maße und Toleranzen?
• Wie wird die Mechanik eingestellt?
• Welche Qualitätskontrolle erhält das fertige Instrument?

Ein gutes Beispiel ist die Buffet Crampon Prodige Klarinette. Der Hersteller ordnet sie ausdrücklich der Schülerklasse zu, betont gleichzeitig aber akustische Entwicklung, Ergonomie, Fertigungspräzision, Intonation und Projektion.

Die Bezeichnung Schülermodell bedeutet also keineswegs, dass ein Instrument schlecht gefertigt sein sollte.

Wann ein Profiinstrument noch nicht notwendig ist

Ich würde nicht allein deshalb zu einem Profimodell raten, weil das Budget es erlaubt oder weil man das Gefühl hat, nun müsse endlich „etwas Ernstes“ gekauft werden.

Hilfreicher sind einige konkrete Fragen.

Welche Grenze des aktuellen Instruments hören Sie bereits?

Geht es um Stimmung, Intonation, Mechanik, Ansprache, Dynamikumfang, Klangfarbe oder Projektion?

Können Sie dieses Problem beim direkten Vergleich zweier Instrumente reproduzieren?

Können Sie formulieren, was das nächste Instrument anders können soll?

Wenn es darauf noch keine konkreten Antworten gibt, kann ein teureres Instrument am Ende lediglich teurer sein.

Wann der Wechsel wirklich sinnvoll wird

Anders sieht es aus, wenn ein Musiker beispielsweise sagen kann:

• Dieser Ton verlangt ständig zu viel Korrektur.
• Mir fehlt dynamischer Spielraum.
• Das Instrument wird im hohen Register instabil.
• Ich brauche im großen Saal eine andere Projektion.
• Ich stoße an die Grenzen der Mechanik.
• Ich möchte ein anderes Verhältnis von Widerstand und Ansprache.
• Mir fehlen bestimmte Griffmöglichkeiten.
• Das Instrument ermöglicht nicht die Klangfarbe, die ich für meine Arbeit brauche.

Dann wird die Wahl konkret.

Der Musiker sucht nicht mehr nach dem abstrakten Wort Professional, sondern nach einer konkreten Lösung für eine konkrete musikalische Aufgabe.

Was unterscheidet also Schüler-, Mittelklasse- und Profiinstrumente?

Doch auch innerhalb der Profiklasse gibt es nicht das eine „beste“ Instrument.

Ein Solist, Orchestermusiker, Lehrer und Kammermusiker können sehr unterschiedliche Eigenschaften suchen.

Genau dort beginnt aus meiner Sicht die sinnvolle Wahl der nächsten Instrumentenklasse.